DEJA-VU: Hard Rock, Rock and Heavy Metal from the Past!

Quando i Sodom scatenano "M-16", non consegnano al mondo un semplice disco: rilasciano un’arma carica, un rapporto di guerra scritto con il sangue e inciso nel metallo. È il 2001, un anno che segna una frattura nella storia contemporanea: tensioni geopolitiche che ribollono, conflitti pronti a esplodere, ed un’umanità che entra nel nuovo millennio senza aver mai davvero dismesso l’istinto alla distruzione. In questo clima, "M-16" non è solo attuale: è necessario. Il concept del disco affonda le mani nella Guerra del Vietnam, ma non si limita a raccontarla: la ricostruisce, la fa respirare. La giungla diventa suono, il napalm diventa ritmo, la paura diventa carne viva. Ogni traccia è un frammento di combattimento, ogni riff una raffica, ogni pausa un battito accelerato prima dell’impatto. L’apertura con "Among The Weirdcong" è un’imboscata perfetta. Non c’è introduzione, non c’è avvertimento: vieni trascinato nella giungla, dove il nemico è invisibile e il ...

Dopo la morte di Ronnie James Dio, avvenuta nel 2010 per un aggressivo tumore allo stomaco, quattro quinti della sua band originale decide di riunirsi in nome del boss scomparso. Trattasi ovviamente di Vivian Campbell (chitarra), Vinny Appice (batteria), Jimmy Bain (basso) e Claude Schnell (tastiere): ad onor del vero, quest'ultimo comparve soltanto quale membro esterno sull'esordio "Holy Diver", per poi venire "premiato" come componente fisso da "The Last In Line" (1984) a "Dream Evil" (1987). Nel febbraio del 2012, Campbell, Appice, Bain e Schnell si ritrovano col cantante Andrew Freeman (dei Pink Cream 69) per diverse jam sessions private, che li convincono immediatamente a compiere il passo della celebrazione dello scomparso cantante italo-americano. Lo stesso nome scelto, Last In Line, è un evidente tributo alla loro storia con Ronnie, e ad agosto 2013 si tiene l'ufficiale esordio live, in quel di Fullerton (California). Viene es...

C’è un momento, nella storia del metal, in cui le ombre sembrano essersi allungate troppo sui Black Sabbath. Gli anni ’80 avanzano con furia: il thrash domina, il glam conquista le classifiche, e i pionieri dell’oscurità rischiano di essere percepiti come reliquie di un’epoca passata. Eppure, nel 1989, accade qualcosa che ha il sapore della stregoneria: “Headless Cross” emerge come una fenice nera dalle ceneri, un disco che non solo riafferma l’identità della band, ma la trasfigura in qualcosa di epico, maestoso, quasi mitologico. Al centro di questo rituale sonoro c’è Tony Iommi, l’ultimo guardiano del tempio Sabbath. Il suo tocco ritorna più che mai evocativo: i riff non sono semplici strutture musicali, ma colonne portanti di una cattedrale gotica costruita su suoni densi, pesanti e solenni. Ogni accordo vibra come un presagio, ogni progressione sembra aprire portali verso mondi antichi e dimenticati. Iommi non segue le mode del tempo le ignora, le trascende, e forgia invece un’oper...

"Nemesis Divina" esce nel 1996: è il momento in cui il black metal smette di essere soltanto ribellione, scandalo e caos, e si trasforma in qualcosa di più antico e pericoloso. Un sistema, una visione, una regalità oscura che non ha bisogno di giustificarsi. Quando esce, la Norvegia ha già visto bruciare le sue chiese, ha già sentito il rumore della cronaca e della paura; ma qui, tra queste tracce, non c’è più fretta né isteria. C’è controllo. C’è volontà. I Satyricon arrivano a questo punto dopo aver attraversato il lato più grezzo del genere, e decidono di fare qualcosa che molti non avevano ancora dimostrato il coraggio o la lucidità di fare: ordinare il caos senza spegnerlo. Non addomesticare la furia, ma incanalarla. Non disperdere il gelo sonoro, ma scolpirlo. Al centro di tutto c’è Satyr, figura che qui assume i contorni di un architetto più che di un musicista. Le sue chitarre non sono semplici riff: sono colonne, archi, corridoi sonori che guidano chi ascolta dentro ...

Mai giudicare un libro dalla copertina o, in questo caso, un disco dall'artwork. Difficilmente ricordo una presentazione grafica peggiore rispetto a quella di "Hanging In The Balance", album con cui i Metal Church rispondono ancora presente nel 1993 nonostante lo tsunami grunge, che sta spazzando via tutti i rimasugli legati alla decade precedente. Passare dalla Epic alla Blackheart Records di Joan Jett (verrà poi recuperato in Europa attraverso Rising Sun Productions) non è esattamente una passeggiata, ma il brutale ridimensionamento discografico rappresenta un gramo destino che coinvolge molte star degli 80's. Specialmente negli USA, è bene precisarlo: troppo vacuo il flanella-rock di Seattle per conquistare anche il pubblico europeo. Grandi nomi a parte, tipo Pearl Jam o Alice In Chains. E non cito questi ultimi a caso, visto che Jerry Cantrell compare in qualità di ospite nell'assolo della traccia d'apertura "Gods Of Second Chance". Ed è proprio ...

“Descent” degli Immolation non è semplicemente un nuovo capitolo della loro discografia: è una vera e propria discesa nell’abisso sonoro, un’opera che conferma la band come una delle entità più lucide, estreme e coerenti mai emerse nel death metal. In un contesto contemporaneo dove il genere spesso oscilla tra sterilità tecnica e revival nostalgico, gli Immolation continuano a scegliere una strada diversa: quella della deformazione costante, dell’instabilità strutturale e della costruzione del caos come forma d’arte. “Descent” è un album che non si limita a essere ascoltato: si attraversa. Ogni brano è un gradino verso una profondità sempre più densa, dove la tecnica non è mai esibizione ma linguaggio, e dove la brutalità non è mai gratuita ma funzionale a un disegno complessivo di tensione e collasso controllato. L’apertura con “These Vengeful Winds” è un impatto immediato e devastante. Il brano non introduce, travolge. I riff sono spezzati, fratturati, costruiti per negare qualsiasi ...

“Crimson” dei Sentenced è un disco che non cerca mai di alzare la voce. Non ne ha bisogno. Uscito nel 2000, in un periodo in cui il metal finlandese stava abbandonando l’aggressività più istintiva per scavare in territori emotivi più profondi, “Crimson” rappresenta una trasformazione completa: non più rabbia, ma resa; non più lotta, ma consapevolezza. È importante capire il contesto: la fine degli anni ’90 e l’inizio dei 2000 vedono la scena nordica maturare, perdere parte dell’urgenza giovanile per abbracciare una malinconia più stratificata. In Finlandia, questa evoluzione assume un carattere quasi inevitabile. Non è solo musica: è paesaggio che diventa suono. Laghi immobili, foreste che sembrano non finire mai, cieli bassi che comprimono il respiro. In “Crimson” tutto questo si traduce in melodie limpide, lente, apparentemente accoglienti, ma attraversate da un senso costante di fine. La forza del disco sta proprio in questo contrasto: la bellezza formale contro il contenuto emotivo...

"Blessed Are the Sick" è più un grimorio sonoro che un album; un manoscritto proibito inciso nel 1991 quando il death metal stava ancora imparando a bestemmiare con una propria voce. I Morbid Angel, invece di limitarsi alla brutalità cieca, costruiscono qualcosa di più subdolo: una liturgia della corruzione. Se "Altars Of Madness" era caos primordiale, qui il Male diventa architettura, prende forma, si organizza in rituale. Non è solo aggressione: è profanazione consapevole, come una messa celebrata su un altare ormai consacrato al contrario. Il contesto è quello della Florida dei primi anni ’90, un laboratorio in cui il death metal sta definendo la propria identità. Ma questo disco devia, contamina, introduce elementi quasi sacrali per poi deformarli. Le pause, gli intermezzi, le strutture meno lineari: tutto contribuisce a creare un senso di cerimonia rovesciata, come se ogni brano sia parte di un rito celebrato tra icone spezzate e reliquie svuotate, dove il sacr...

"Congregation Of Annihilation" del 2023 ha rappresentato una vera e propria rinascita per i Metal Church. Un disco dalle tematiche e dalle sonorità "maniacali", che riprendeva gli strali del masterpiece 'The Dark ", pur con le dovute differenze qualitative e temporali. Protagonista indiscusso il vocalist Marc Lopes, la cui timbrica cannibale riportava il gruppo alla filosofia dell'aggressione ad oltranza, predicata a suo tempo dal mai troppo compianto David Wayne. Tuttavia, quando credi che i Metal Church abbiano finalmente trovato un minimo di stabilità, il leader Kurt Vanderhoof manda a casa tre quinti della formazione. Entrano addirittura Dave Ellefson (Megadeth) e Ken Mary (Fifth Angel, House Of Lords) rispettivamente al basso ed alla batteria, nonché Brian Allen (Vicious Rumors) dietro al microfono al posto del succitato Lopes. Scelta giusta? Per quanto riguarda la sezione ritmica, assolutamente si: formidabile, come da copione. Mi si conceda qualc...

C’è un momento, entrando in "Into The Pandemonium", in cui capisci che non sei più dentro un disco metal nel senso tradizionale del termine. Sei dentro un ambiente. Un luogo mentale corrotto, stratificato, quasi liturgico, dove ogni elemento sonoro sembra avere una funzione simbolica più che musicale. Non è un ascolto: è una discesa orchestrata nel disordine. Siamo nel 1987, e la scena estrema europea sta ancora cercando di definire i propri confini. Il thrash si è ormai strutturato, il proto-black metal è ancora istintivo e primitivo, e il death metal sta iniziando a emergere dalle profondità. In questo contesto, “Into The Pandemonium” dei Celtic Frost non devia semplicemente dal percorso: lo sabota. È un gesto artistico radicale, quasi iconoclasta. L’apertura con “Mexican Radio” è uno shock deliberato. Non è solo una scelta inusuale è una dichiarazione d’intenti. Il brano originale viene smontato e ricostruito in una forma fredda, aliena, quasi disturbante. È come entrare i...

Chez Kane è una rock singer britannica, precisamente di origine gallese, nata artisticamente nel secolo (e nel millennio) sbagliato. Rimane folgorata, per sua stessa ammissione, all'ascolto di "Pour Some Sugar On Me" dei Def Leppard, ma anche da Pat Benatar, dalle Vixen e Robin Beck: insomma, dopo quei "magic moments", la sua vita è cambiata. Inesorabilmente. È diventata praticamente una missione: riportare gli 80's nei 2020, per contribuire (anche) a combatterne le brutture. Dopo aver tentato, vanamente, la fortuna con le Kane'd, gruppo formato assieme alle sue due sorelle, Chez vede la luce quando incrocia la propria strada con quella di Danny Rexon, leader dei Crazy Lixx. Il primo album omonimo vede la luce nel 2021, inaugurando una proficua collaborazione con Frontiers Records che non si è più interrotta. "CK" contiene alcune gemme AOR difficilmente dimenticabili, una su tutte l'irresistibile "Rocket On The Radio", ma anche al...

Nel 2024, nel giorno più carico di simbolismo possibile, il 14 luglio, i Seth rilasciano "La France Des Maudits"; e già questo basta per capire che non siamo davanti a un semplice disco, ma a un atto deliberato, teatrale, quasi politico. È un’opera che affonda le mani nella carne viva della Francia, non per celebrarla in modo retorico, ma per dissezionarla, profanarla e poi ricostruirla sotto forma di mito nero. Il contesto è quello di una band che arriva da una fase di rinascita artistica e identitaria, dopo aver già dimostrato con i lavori precedenti di aver ritrovato una direzione feroce e lucida. Tuttavia qui il salto è evidente: tutto è più ambizioso, più stratificato, più consapevole. Non c’è dispersione, non c’è riempitivo: l’album è compatto, serrato, costruito come una marcia continua dentro una Francia deformata, allucinata, dove la storia della Rivoluzione diventa materia rituale. Le chitarre non si limitano a costruire riff, ma sembrano scolpire architetture decad...

Nel cuore oscuro della Svezia del 1987, un vento oscuro soffia tra foreste innevate e cimiteri dimenticati, e da quel gelo emerge un disco che non conosce compromessi, pietà o luce: "Under The Sign Of the Black Mark" dei Bathory. Un rito antico, inciso nel ghiaccio e nel fuoco, un invito a varcare la soglia dell’oscurità più profonda, dove il male diventa legge ed il freddo diventa carne dell’anima. In quell’epoca, il metal estremo è ancora un campo selvaggio, e quest'opera squarcia il velo tra brutalità sonora e rito infernale, gettando le fondamenta del black metal norvegese e scandinavo in generale. L’apertura è affidata a "Nocternal Obeisance", un'intro propiziatoria che prepara l’ascoltatore ad un viaggio attraverso lande desolate e correnti di malvagità primordiale. "Massacre" esplode subito dopo, come una lama che trafigge l’aria: crudezza assoluta e furia glaciale, con chitarre e batteria che non lasciano respiro. "Woman Of Dark Desire...

Parlare di "Dirt" degli Alice in Chains non è un esercizio di nostalgia: è come aprire una ferita che non ha mai davvero smesso di sanguinare. Uscito nel 1992, in piena esplosione del cosiddetto “grunge” di Seattle, il disco si distingue subito dalle altre produzioni dell’epoca. Non c’era alcuna voglia di inseguire mode o etichette: gli Alice in Chains erano un gruppo cazzuto, duro, con un approccio quasi metal, e Dirt ne è la prova più autentica. Non erano “grunge” nel senso edulcorato con cui la stampa li definiva: erano più abrasivi, più crudi, più diretti. Questo disco non è solo rock, non è solo grunge: è un abisso sonoro in cui ti senti trascinare e da cui sai che non uscirai intatto. L’album è un viaggio tra dipendenza, alienazione, autodistruzione e angoscia interiore. Ogni traccia sembra scritta con la polvere negli occhi e il dolore nella voce. Layne Staley non è semplicemente un cantante: è una macchina emotiva, un cronista del vuoto, e la sua voce in Dirt diventa ...

Nascono dalla fervida immaginazione di Greg Anderson dei Sunn O))), che trova nella voce di Peter Stahl l'archetipo perfetto per una creatura altamente visionaria ed artisticamente maledetta. "Et In Arcadia Ego", cita la ricca simbologia occulta di copertina: "Il Fiore Del Contagio" è il titolo scelto. Goatsnake, ovvero caprone e serpente, il nome del gruppo: penso che non occorra aggiungere nulla per descrivere l'immaginario della situazione. Il suono prescelto è caldo come il sole del deserto, algido come la desolazione lunare notturna che segue. C'è il doom/stoner, certo, ma c'è anche tanto blues immerso nelle "tristi ali del destino", che rende la proposta di "Flower Of Disease" un unicum nel panorama del settore. In questo senso, Stahl è decisivo per differenziare la proposta da un Electric Wizard qualsiasi, con tutto il rispetto dovuto alle scelte integraliste di Juss Osborne e soci. Non vorrei esagerare, visto che si tratta...

C’è un momento, entrando in "Ghost Reveries", in cui si capisce subito che non si tratta semplicemente di musica, ma di un’esperienza quasi rituale. Grazie alla visione di Mikael Åkerfeldt, gli Opeth non costruiscono solo canzoni: costruiscono ambienti, stanze mentali impregnate di colpa, visioni religiose distorte e identità che si frantumano sotto il peso di qualcosa di innominabile. Ogni dettaglio, dal riff alla linea vocale, porta la firma di un genio che sa trasformare la tecnica in narrativa emotiva. Questo disco nasce in un periodo particolare della band: è il primo con la nuova etichetta e segna anche l’ingresso stabile delle tastiere, aggiunte da Åkerfeldt e dai suoi collaboratori per dare una dimensione spettrale e quasi sacrale al suono. Ma più che un cambiamento tecnico, è una trasformazione emotiva orchestrata dal suo talento. Qui gli Opeth sembrano aver abbandonato ogni residuo di luce naturale per abbracciare un’oscurità più stratificata, più psicologica. Ed è ...

Tra la seconda metà degli anni 90 ed i primi vagiti del nuovo millennio, il power metal  "cantereccio" di derivazione Helloween/Gamma Ray vive la sua epoca d'oro. Dischi che si vendono a palate (vedesi Stratovarius, Angra ecc.), ed una scena che prolifera di nuove realtà. A volte interessanti, altre sicuramente meno. Succede sempre così quando un determinato trend tira, si sa. Heavenly travalicano i confini geografici abituali del genere, solitamente diviso tra Germania e Scandinavia: vengono dalla Francia, esattamente dalla capitale Parigi, con i membri fondatori Benjamin Sotto (voce) e Maxence Pilo (batteria) che si trovano nel 1994 sotto la Tour Eiffel con una passione comune per i vari "Keeper Of The Seven Keys" e "Heading For Tomorrow". Quattro anni dopo, Noise Records offre al quartetto transalpino, nel frattempo completatosi con l'ingresso di Chris Savourey (guitar) e Laurent Jean (bass), un contratto per la realizzazione del loro primo albu...

C'era una volta l'hard rock: quello urgente, privo di fronzoli, crudo e cruento, impavido e terremotante. Nessuna barriera concettuale, nessuna divisione tra "ciò che è" e "ciò che dovrebbe essere". Poi il genere si è settorializzato, prigioniero di definizioni e neologismi vari, indotti da case discografiche con la benedizione della critica, che non vede l'ora di separare il suono in compartimenti stagni, di ingabbiarlo ad uso e consumo dei gusti del pubblico. È così che, dopo l'irruzione del Seattle sound, qualsiasi cosa che si affranchi da cori ammiccanti e produzioni sgargianti, diventa immediatamente "grunge". My Sister's Machine affondano le radici addirittura nel 1984, quando Owen Wright (chitarra) e Chris Gohde (batteria) si uniscono ai Mistrust, dei quali fa parte anche il cantante (ex Culprit) Jeff L'Heureux. I due incontrano nel 1989 Nick Pollock, che nel frattempo ha suonato negli Alice N' Chains, gruppo all'epoc...

“Wildhoney” dei Tiamat si manifesta come una cattedrale in rovina immersa nella nebbia, un’opera che respira lentamente, come se ogni nota fosse il battito stanco di un cuore antico. Non è semplicemente un album: è una discesa controllata nell’inconscio, un rituale sonoro che trasforma la materia grezza del metal in qualcosa di organico, visionario, quasi sacrale. Pubblicato nel 1994, in un momento in cui la scena estrema stava abbandonando la brutalità monolitica per esplorare territori più atmosferici e introspettivi, “Wildhoney” si impone come una mutazione necessaria. È il figlio oscuro di un’epoca di transizione, dove il death metal iniziava a dissolversi in forme più liquide, contaminandosi con psichedelia, doom e suggestioni ambientali. In questo contesto, il genio di Johan Edlund si erge come una guida febbrile: non un semplice compositore, ma un alchimista sonoro capace di distillare malinconia, alienazione e desiderio in un’unica sostanza ipnotica. L’apertura con “Whatever Th...